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Mais alors, qui est-il? Détail, portraits sur la table, Autoportrait avec symboles de vanités, David Bailly Détail, portrait disparaissant, Autoportrait avec symboles de vanités, David Bailly Il ne vous aura pas échappé que cette toile compte cinq autres portraits (sans les statuettes): deux accrochés, un dessiné sur le mur et deux disposés sur la table. Néanmoins, un seul est tenu, fièrement, celui qui montre un homme aux cheveux grisonnants. Placé pratiquement au centre de la toile, il attire forcément notre attention! Et souvenez-vous: le genre de cette peinture est l' autoportrait! Ainsi, tout nous laisse penser que cette personne n'est autre que l'artiste lui-même, âgé de presque 70 ans. David bailly autoportrait avec symboles de vanity fair. Quant au jeune homme, installé dans la même position, sans doute représente-il un Bailly antérieur à 1651. Dans une sorte de chronologie réaliste, l'artiste nous montre que le temps passe bel et bien! Ainsi, le peintre nous gratifie de deux autoportraits: le premier étant rétrospectif et le second, actuel.

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Vanité au portrait ou Autoportrait avec symboles de Vanité ou encore Vanité, nature morte avec portrait d'un jeune peintre, est une peinture de David Bailly réalisée en 1651 qui mêle les genres du portrait et de la nature morte. Elle est conservée au Stedelijk Museum de Leyde aux Pays-Bas.

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Œuvre [ modifier | modifier le code] Pendant longtemps, David Bailly s'est consacré au dessin de portraits. Ses têtes et bustes sont parfois extrêmement soignés et détaillés, mais parfois, comme c'est le cas ici, il semble que l'on ait affaire à un croquis. Le visage, par exemple, est dessiné avec précision mais les traits du cou semblent simplement suggérés. Cela donne une certaine tension au dessin, effet accentué par la lumière. Il semble que Bailly dessinait à la lueur d'une chandelle. La technique utilisée est typique du dessin destiné à la gravure. David bailly autoportrait avec symbols de vanité . 1625: Autoportrait [ 1], au Rijksmuseum, à Amsterdam. 1629: Portrait d'une femme [ 2], au J. Paul Getty Museum, à Los Angeles ( Californie). 1641: Portrait d'un homme, peut-être un botaniste [ 3], au Metropolitan Museum of Art, à New York 1651: Vanité aux portraits, huile sur panneau, 89 × 122 cm, Musée municipal de Leyde, Leyde [ 4] Notes et références [ modifier | modifier le code] Annexes [ modifier | modifier le code] Bibliographie [ modifier | modifier le code] Rembrandt et son temps, catalogue d'exposition ( Europalia 71), Bruxelles, Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, 1971, p. 18.

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Ce tableau a été peint lorsque l'artiste été âgé de 67 ans, or le sujet de l'oeuvre c'est un homme plutôt d'un jeune âge. Il est facilement aisé de le reconnaitre: c'est l'artiste lui-même, en plus jeune. Il nous présente de sa main gauche un autoportrait de son visage à l'âge où il peint le tableau. Vanité aux portraits - Unionpédia. Cette scène est comme une projection du passé pour l'homme représenté dans le petit cadre ovale, ou bien du futur pour le jeune homme représenté. Quoiqu'il en soit, ces deux projections tendent vers la même fin: la vieillesse, la décomposition et la mort. C'est pourquoi dans l'autre partie du tableau se trouve une nature morte. La représentation des arts et des connaissances On remarque qu'au dessus du creux de son coude gauche est suspendue au mur une palette nue qui symbolise la peinture. Au dessus de cette palette se trouve le dessin avec la représentation du Bouffon jouant du luth de Frans Hals (c. 1623) qui découle de la représentation de la musique qui figure aussi avec une flute posée derrière l'autoportrait « vieux ».

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Autoportrait avec symboles de vanité, 1651 / Leyde, Stedelijk Museum De Lakenhal "De tous les genres de la peinture, la nature morte est le seul dont l'image peut offrir autant d'interprétations Parce qu'elle est composée d'objets, porteurs de sens symboliques ou non, elle est le vecteur idéal du message. Des codes sont à l'œuvre dans la plupart des natures mortes. [ANALYSE] Autoportrait avec symboles de vanités, David Bailly. Les vanités ont porté ce principe à son paroxysme puisque aucun objet ne s'y produit « gratuitement ». Le plus souvent parfaitement compréhensible aux spectateurs de l'époque, familiers des symboles religieux ou moraux en usage, ce langage a cessé de nous être accessible. La nature morte est donc aujourd'hui deux fois morte: par son objet, inanimé, et par son sens, introuvable ou dont nous sommes tout à fait inconscients. Au cœur des natures mortes des XV e et XVI e siècles, les objets sont autorisés à figurer parce qu'ils sont porteurs d'un autre sens que celui de leur matérialité quotidienne. La symbolique religieuse parcourt tout un éventail, du séculier au mystique.

Cet apprentissage dans une approche plus globale peut nous renvoyer à la relation maître/élève qui sera ici développée.